《memory》这首歌出自Andrew Lloyd Webber 最脍炙人口的音乐剧《猫》，这首歌已被无数人翻唱过。周深的气声高音用的很恰当，不论是前面的《La Vie En Rose》片段，还是《memory》的主歌部分，表达的都特别到位。
其实两首歌的心境和意境并不同，然而混搭在一起从故事情节上又有着那么连贯的逻辑性。《La Vie En Rose》就是《Memory》的前半生。最后，当过往的繁华褪了色，于风烛残年里感叹着红消香断的玫瑰人生，有一种凋零虚无之美。
到了“Every street lamp seems to beat ”…这一段开始周深的声音也随着歌曲内容切换到中音区的胸声，语气变得深沉。其实周深并不是一个擅长中低音的歌手，但是这一段的音色还是比较到位的，压得够稳。整首歌，他的角色把握特别准确，语气处理尤其细腻，在每一个抑扬顿挫之间精雕细刻。是因为对作品的理解够深。其中那句Daylight , i must wait for the sunrise .处理的绝妙。他就像一个善于造梦的精灵，叹息之间便是大梦一场。至今记得，我当时在现场听这首歌，只感觉魂魄都守不住了。
所以，这个人只要恰好选对了歌，他会大放异彩。比如这首《She is my sin》就是典型的哥特式金属风格的作品。他的音色和这首歌的编曲、气氛恰好合适。他的假声高音和廖佳琳或者周深他们都不一样，他像一个空洞，里面透着光。再加上波光粼粼的细碎颤音，有一种画面感很强的魔幻效果。所以我说他也适合电子音乐。即使这首歌高音过后中间那段真声的演唱，也是冷色调的，这种音色的切换就像妖怪化身的人行，没有人味。在人间稍作停留之后又飞升天际。最后的花腔跳音完成的不错，竟还有一点莫扎特《夜后咏叹调》的影子。他技巧如果再升级一点的话，应该可以唱《第五元素》中的那首插曲。他正好就是那种外星人。
随着歌曲逐渐进入新的层次，李琦的声音领先走出，带着三个人的声音也更推进了一步。这时候李琦的共鸣腔打开，声音的通道感也出现，开辟了一条新的路。另外两人的和声依旧紧紧贴着这位流浪者。非常妙的是，每当一个人唱主旋律的时候，另外两人的和声营造的氛围就暖烘烘的包裹上去，就像一件贴身的衣服，烘托着主旋律。这是多么心灵相通的默契！李琦的主旋律部分语气情深意重，非常感人，高音的时候声音压缩的特别统一，干净明媚。然后鞠红川更进一步的切入美声音色，走上一个新台阶，整首歌的张力又拉开了一层，开始出现了雄壮的戏剧性。那句And the people bow and prayed . To the neon god they made . 后面李琦沙哑的高音特别出彩，赋予了这首歌最极致的内心撕裂感。三个悲壮伟岸的男人，仿佛用整个生命点燃理想的烈火，给人间无数苦难迷茫的灵魂做了洗礼。我当场止不住泪水横流，视觉顿时变成一圈圈斑斓模糊的光晕，我感觉自己看到了神。
??查理老师非常荣幸，在半个月前被湖南卫视《声入人心》节目组邀请，亲临了第七期的录制现场进行观摩。现场没有经过任何后期制作的场景、画面、声音，让我真正近距离的接触到了各位歌者最真实的舞台表现。并且有几位让我特别欣慰与感动的歌手的出色演唱，在我脑海中久久挥之不去。在现场听起来因为身临其境的缘故，效果就会比屏幕里听着更真，更立体。
所以这一期的点评是我在现场亲眼看到、亲耳听到的舞台效果的一些感受。
特别赞美各位编曲老师，为歌手们量身打造出最适合他们的作品。
《一江水》
演唱：简弘亦，龚子棋
作词/作曲：王洛宾，瓦古班诺娃
编曲：钟兴民，张筱真
这首歌是西部歌王王洛宾老先生50年代的作品。歌曲旋律有着明显的俄罗斯民谣风。简弘亦的声音先亮相。歌手们演唱的时候，气感十足的弱胸混声音色一般用来表现惆怅、感叹、怀念、梦想等感情色彩。所以简弘亦出口第一句便引人入胜，进入他编织的“风雨带走黑夜，青草滴露水”的画面中，有对梦想充满向往以及哀婉叹息的情绪指向。“大家一起来称赞，生活多么美” 这一句歌词本身就藏着一种黑色幽默式的自嘲意味。演唱时，语气里潜藏无奈。简弘亦把握的很细腻。然后龚子棋的声音出现在“我的生活和希望总是相违背”，音色非常具体，集中，和简弘亦的气混声形成对照，恰好暗合了从理想走入现实的场景转换。他们二人是非常微妙又恰当的组合。音乐的编曲这时候从欧洲古典风转入南美洲的波萨诺瓦爵士，顿时节奏律动变得错落有致而慵懒性感，增添了舞蹈性。二人找对了适合自己的风格，他们对这种曲风乐感和音色的把握都很到位。其中很多乐句微妙的滑音处理也十分恰当，语气和态度的表达方式，角色的定位都很准确。而且两位男声的音色放在一起贴合度也很高。非常有魅力的两个男声。
《Memory》（回忆）
演唱：周深
作词：Trever Nunn/Thomas Eliot
作曲：Andrew Lloyd Webber
编曲：张筱真/宋鸽
编曲别出心裁的用了法国香颂女王 艾迪特·皮雅芙（Édith Piaf，1915年12月19日-1963年10月11日）1946年的成名曲<La Vie En Rose>（玫瑰人生）的经典片段作这首歌的序幕。爵士乐的节奏和香颂音乐的混搭，听起来浪漫缠绵。寓意也很好：玫瑰人生就埋在回忆的深处。
周深的声音在现场听起来的感受是有一股“仙气”，飘逸梦幻，余音袅袅。他的嗓音一直保留着天工自然的状态，并不是经过了层层修饰和刻意训练之后获得的那种特殊音色。所以在一众假声男高音里，唯有他的色彩是纯天然的。
《memory》这首歌出自Andrew Lloyd Webber 最脍炙人口的音乐剧《猫》，这首歌已被无数人翻唱过。周深的气声高音用的很恰当，不论是前面的《La Vie En Rose》片段，还是《memory》的主歌部分，表达的都特别到位。
其实两首歌的心境和意境并不同，然而混搭在一起从故事情节上又有着那么连贯的逻辑性。《La Vie En Rose》就是《Memory》的前半生。最后，当过往的繁华褪了色，于风烛残年里感叹着红消香断的玫瑰人生，有一种凋零虚无之美。
到了“Every street lamp seems to beat ”…这一段开始周深的声音也随着歌曲内容切换到中音区的胸声，语气变得深沉。其实周深并不是一个擅长中低音的歌手，但是这一段的音色还是比较到位的，压得够稳。整首歌，他的角色把握特别准确，语气处理尤其细腻，在每一个抑扬顿挫之间精雕细刻。是因为对作品的理解够深。其中那句Daylight , i must wait for the sunrise .处理的绝妙。他就像一个善于造梦的精灵，叹息之间便是大梦一场。至今记得，我当时在现场听这首歌，只感觉魂魄都守不住了。
以下观点见仁见智：本人唯一觉得，这首歌不应该在后面用中文演唱，因为前面语言、音乐、意境、画面，逻辑线条，等一切一切的组合，都是那么的和谐流畅。突然的切换了语言，有点像惊醒了美梦，重新睡也拼不上那个故事了。虽然周深的语感和乐感使得这首歌完整性很强，但总有一种说不出的小小遗憾。
《She is my sin》
作词：Tuomas Holopainen
作曲：Tuomas Holopainen/Tero Kalle Sakari Kinnunen/
编曲：钟兴民，张筱真，宋堃
填词：黄韵玲
来自芬兰的美声跨界金属乐团Nightwish 专辑《Wishmaster》
演唱：高天鹤
话说这个死臭小子！看了这么多期下来，我算是看明白了。他的声音形态就是很适合唱那种“非主流之美”的音乐作品。比如惊艳的、华丽的、暗黑系的、诡异的、妖魅的、精灵的、反叛的，等等这些元素，他都可以表现到位。在曲风上面，他可以涉猎的有巴洛克、古典、摇滚、电子，等风格。他的音色其实有一种超现实主义的特殊性。只要选合适的作品，仔细雕琢，会是不错的艺术品。而普遍的表达主流情感的一些大流行作品，在他口中可能会变得非常～“平凡”～（有一期花絮里后台翻唱陶喆的歌表现就很平凡）。他确实不是大家所期望的那种。像他这种不一样的烟火，就应该绽放在中世纪吸血伯爵的城堡里才对，比如摇滚乐里的哥特式金属，就有那种阴森冰冷又华丽的中世纪风格。或者，在巴洛克歌剧里，他可以扮演希腊神话里那些为爱痴狂的上古情种。在古典音乐里，他可以是莫扎特《魔笛》中的夜后，富有摇滚精神的暗黑邪恶角色。在流行音乐里，他可以唱电子音乐，比如北欧的性冷淡风。而整个创作团队包括编曲，都需要合力量身打造才可以。
所以，这个人只要恰好选对了歌，他会大放异彩。比如这首《She is my sin》就是典型的哥特式金属风格的作品。他的音色和这首歌的编曲、气氛恰好合适。他的假声高音和廖佳琳或者周深他们都不一样，他像一个空洞，里面透着光。再加上波光粼粼的细碎颤音，有一种画面感很强的魔幻效果。所以我说他也适合电子音乐。即使这首歌高音过后中间那段真声的演唱，也是冷色调的，这种音色的切换就像妖怪化身的人行，没有人味。在人间稍作停留之后又飞升天际。最后的花腔跳音完成的不错，竟还有一点莫扎特《夜后咏叹调》的影子。他技巧如果再升级一点的话，应该可以唱《第五元素》中的那首插曲。他正好就是那种外星人。
说起高天鹤的发声技巧，廖昌永老师指出了“位置低，顶在了天花板上”，并且做了一个“倒扣抬起的手势”。这些信息所代表的意思，非专业的人可能看不懂。我来解释一下：声乐演唱中在遇到高音的时候，始终要有一个高位置的共鸣，而高位置共鸣的来源则是要有上抬软腭的动作，廖老师的手势代表的就是后口腔上部软腭的抬起动作（我们常说的“喉咙打开”也是为了达到这一目的）。而说他“顶在天花板”上便很好理解了，因为软腭抬起不足，造成上部头腔共鸣空间的不足。所以，共鸣上限比较低，便有了“位置低”的听觉感受。另外，我觉得，换声区的声音也要注意经常巩固使用一下，不然可能会比较容易出现共鸣断层。他每次演唱都会用跳跃音色的方式避开换声区。这是扬长避短，既是长处也是短处。
我再解释一下李琦和王晰讨论的高天鹤的声音压限问题。“压限”（压缩/限制）是一个录音专业术语。歌手在录音棚或者舞台现场使用麦克风的时候，有时候如果和话筒距离过近，或者声压太强的话，可能会造成声音录入过载现象。所以后期制作的环节，就需要混音师用设备和技术把声音压缩限制在一个合理平衡的范围内，不然听起来会有“炸”的感觉。而歌手如果本身对自己的声音没有做到“压限”的话，在录音棚里就会很吃亏，声音过载严重超标，后期修音就会失真很多。所以歌手们在训练发声的时候应该学会尽量用嗓音自行压限，这样不光声音好听，而且给后期混音师很大的制作空间，能把声音修的更美。高天鹤的这一场，我在现场听到的声压确实是比较大的，不过，因为有戏剧效果需求，所以，要有一定的燃点和爆发力也是应该的。尚且属于比较安全的范围。
音乐剧《美女与野兽》选段
演唱：郑云龙，张超
作词：Howard Ashman 填词：陈少琪
作曲：Alan Menken
编曲：钟兴民，张筱真
郑云龙在音乐剧中是如鱼得水的，从前说过，他最大的优势便是细腻动人、深情款款的语言表达。当这种表达方式应用在歌唱中的时候，便成为了一种修养很高的表演艺术。歌唱的语气映射了角色的一切内心活动，情感逻辑，同时也让我们看到演员的领悟力和塑造力。在这一点上，郑云龙是优秀的演员。他的声音技术方面，音色在混声区表现不错，同时又比较接近人性化的说话的声区，用在歌唱中便是“说着唱”的感觉。同时，身为戏剧演员，出色的台词，也让他的咬字非常清晰，传达的透彻准确。
张超的演唱是一个迟来的惊喜，他的乐感和语感很出色，而且音色非常的深沉浑厚，温暖踏实，包容感很强。他和郑云龙两人在发声动作，以及共鸣的模式上不太一样。他的喉咙更开，喉位低下，所以我们听到他胸腔共鸣的饱满度大于郑云龙。这也来自于两人的专业的不同，一个是音乐剧，一个是歌剧。然而，他们的搭配并没有突兀或不贴合之处。一个是中低频一个是中高频，两人的频段叠加起来更显得立体丰满。
两人的演唱情感表达细致入微，真挚热情，内心滚动着火焰。现场听的时候很被震撼。尤其张超的声音一出，在现场的环境下，有一种环抱着听众的效果。那句“看你的笑容，谁能不动容”的声音处理特别的让人沉醉。喜欢唱歌，找不到感情的同学们，可以听一下这一组的演唱，他们是不错的示范。
《世界之王》
音乐剧《罗密欧与朱丽叶》选段
演唱：阿云嘎，洪之光，余笛
作词/作曲：Gerard Presgurvic
编曲：张筱真，王蒙
这首歌现场听起来简直燃爆了。
先说余笛的起头，这个曲子的前奏和演唱的第一句之间很不容易找到调。首先，从调式上面分析，这首歌的前奏和主旋律之间的关系属于【同主音大小调】的转换，如果歌手反应慢一点，根本会措手不及。而且比较“变态”的难度在于前奏的最后一个音是落在了【D自然小调】的【上主音】（II级音E），可是主旋律的第一个起始音却是【D自然大调】的【中音】（III级音#F）。这前后在两个调式之间错开一个大二度的距离，有着逻辑差异。所以，一般情况下，听着这样的前奏唱主旋律，如果依靠日常的【首调】思维去推导它的话，那是一定会唱跑调的。这时候应该牢牢的把握住前后两个音的音程关系，方才不会出错。真是考验大脑的一个环节。所以余笛一开始的那个音给人一种错愕的走音的感觉，其实并不是真的走了音，而是曲子就做成了“走音”的听觉效果。
再来说一下三个人的发声。余笛带有一些跨界的音色，共鸣方式介于美声和流行之间，洪之光用的是纯美声的戏剧效果音色，阿云嘎是音乐剧/流行唱法。三人的声音其实现场听的时候并没有像视频里如此的均衡，我猜是后期的时候把洪之光和余笛的声音做了压限，同时阿云嘎的声音给了激励。因为我当时最明显的感受就是，洪之光和余笛的声压很大，盖过了阿云嘎很多。阿云嘎说话式的发声在这两个强大的共鸣体中间显得尤其吃亏。廖昌永评价三个人的演唱唯有阿云嘎的角色是准确的，这一点我非常认同。因为这首作品的本质是音乐剧选段，而且曲风有着很重的摇滚元素，歌手的音色不宜处理成古典歌剧音色。在语气表达方面，应该侧重于语言化生活化。阿云嘎帅气不羁洒脱松弛的表现力是恰到好处的。这样演唱是这首歌最准确的面貌。然后，余笛的声音也比较接近曲风，不过他的声音和阿云嘎不同，显得“规矩”了一些。洪之光的声音体量很大，共鸣饱满厚重，但是角色和曲风的把握上面稍稍的偏向了另一边。阿云嘎和郑云龙一样，他们确实是属于音乐剧的歌手。只要把他们放在音乐剧中，他们的声音，气质，表演，台风，一切都是对的。所以，这首歌中，阿云嘎的表现是最出色的。
《The Sound Of Silence》（寂静之声）
电影《毕业生》插曲
演唱：鞠红川，王晰，李琦
作词/作曲：Paul Simon
编曲：张筱真，宋堃
特别说明一下，这首歌本场最佳，没有之一！现场听的时候完全的被三个人强大的声音魅力感动、震撼到五体投地。他们营造出来的气氛从最初的寂静到最后排山倒海的覆盖，整个的吞没了现场所有观众的灵魂。毫不夸张！他们三人严丝合缝的那种默契感、层次感和情感张力的变化，非常的精确，这是严格的排练加上超高的情商才能把握好的一种表现力。音色和气息的稳定流畅，踏实，反映着深厚的歌唱基本功。音色和声压的把控，还有三个人对作品的理解是完全一条心的统一，所以默契度相当高。他们在本场的表现给了我们最好的教科书式的男声三重唱示范。
王晰的声音，在现场听起来特别特别的舒适，前奏音乐在最安静的时候，他的如大提琴一般的音色缓缓送出，在寂静的沉沉夜幕里充满虔诚肃穆的仪式感。他缓缓的走着，带着使命一般，高贵的让人不敢走近，只能远远的崇拜着。于是，台上台下顿时隔开了一片星空和大地的距离。他包围着我们，化作空气里的每一个看不见的因子，从呼吸之间，流入你的身体中、汇入永恒的意念之河。
鞠红川的音色偏于中高位置，暖暖绵绵的鼻腔共鸣音色，像痴醉在美酒中慵懒性感的呢喃。
李琦的声音里，因为有流行音色的自由度，所以，粗砺沙哑的气声胸声混声一并的用齐全了，语气中隐约苦涩的质感，仿佛心灵在流浪。
在副歌部分的和声，三个音色稳稳地铺开，织成一片透过夜雾的光，纱一般的笼罩过来。
随着歌曲逐渐进入新的层次，李琦的声音领先走出，带着三个人的声音也更推进了一步。这时候李琦的共鸣腔打开，声音的通道感也出现，开辟了一条新的路。另外两人的和声依旧紧紧贴着这位流浪者。非常妙的是，每当一个人唱主旋律的时候，另外两人的和声营造的氛围就暖烘烘的包裹上去，就像一件贴身的衣服，烘托着主旋律。这是多么心灵相通的默契！李琦的主旋律部分语气情深意重，非常感人，高音的时候声音压缩的特别统一，干净明媚。然后鞠红川更进一步的切入美声音色，走上一个新台阶，整首歌的张力又拉开了一层，开始出现了雄壮的戏剧性。那句And the people bow and prayed . To the neon god they made . 后面李琦沙哑的高音特别出彩，赋予了这首歌最极致的内心撕裂感。三个悲壮伟岸的男人，仿佛用整个生命点燃理想的烈火，给人间无数苦难迷茫的灵魂做了洗礼。我当场止不住泪水横流，视觉顿时变成一圈圈斑斓模糊的光晕，我感觉自己看到了神。
那一晚，我睡的很踏实。。。
又熬了一整夜，整理完的时候已经是 2018年12月16日06:10分
一起分享。谢谢你上次的推荐，这两位的点评我一直在跟读。
https://m.weibo.cn/2917145734/4317854935066381
这一期是节目开播以来最刺激的一期！在选曲以及编排各方面都上了几个台阶！我们不能奢望节目组现阶段直接上纯正的歌剧咏叹调艺术歌曲清唱剧，但可以让成员们都敞开的唱敞开的拼，就已经是一大突破了！
每期一个知识点：
《声乐的基本功：整体调控发声的能力》
○相信大家都知道，每一个艺术门类都是要训练基本功的，声乐当然也不例外。口耳相传，普遍的一个观点是，声乐的基本功为气息，在相当大的一个时空范围里，这个观点似乎根深蒂固。这个观点当然是正确的，但是如果只理解在表面的维度上，容易陷入片面。
○声乐技术其实是最体现“中庸思想”的，为何这么说？我们不妨将人体理解成一整块肌肉，无论哪一部分肌肉动了，另一部分肌肉多少会有牵连或者感知，而人的发声也恰恰是在这块肌肉里进行的。如果哪一部分的肌肉过度用力导致了发僵，也会牵连到其他的部位。
○不妨回忆一下，很多学习者在初期把气息是基础理解成解决任何问题都得先“气沉丹田”，然后沉了许久练了许久，声音依旧是虚的。习惯好悟性好的学生可能可以快速的领悟到呼吸的下放这一要点，但倘若是习惯平平悟性平平的学生，很有可能高中学了三年本科学了四年声音依旧是虚的。这是基本功不够吗？这么长时间的积累为何依旧听不到有基本功的展现呢？原因就出在打破了这个“中庸”的平衡。因为害怕没有气息支撑而吸气发僵，紧接着腰腹强制用力，牵动全身的肌肉跟着一起紧张一起僵，这就成了憋气了。越憋越用不上正确的气息支撑，越没有支撑越想着“沉下来”然后把声音往下压导致压喉，然后越唱声音越空越虚。
○同理，把牙关打开是基本功理解成盲目撑开口腔、把找集中点是基本功理解成盲目往前挤声音、把低喉位是基本功理解成往下压声音……都有极大几率产生不良的发僵的肌肉力量。
○声乐的难点就是如此，我们看不见摸不着自己的发声器官，全靠意识的感知和身体协调。我相信很多人都经历过，声乐课上老师要大家气息下来，结果成了压喉，老师要大家打开喉咙，结果成了撑大口腔……我们很困惑，明明已经按照老师的要求做了呀，为什么还是没有达到。原因就是缺乏整体调控发声的能力。
○声乐技术的获得，并不是单纯的想要气息支撑就能有支撑，并不是单纯的想要有高位置就能有高位置，也并不是单纯的想要有喉咙打开就能有喉咙的打开的……发声问题的出现是互相牵连的。没有气息支撑的时候，不妨感知一下我们的呼吸是否顺畅，身体是否是兴奋中的放松的，吸气是否饱满而有保持；喉咙没有打开的时候，不妨感知一下前面的呼吸有没有做好；一到高音就提喉的时候，不妨感知一下有没有胸声的支持；没有胸声的支持的时候，不妨感知一下呼吸是否深沉流动；没有高位置的时候，不妨感知一下是不是低位置忘记顾及了导致了提喉堵塞了通道影响了高位置……当然还有更高段位的从音乐心理学以及作品处理的角度通过感性意识去影响发声状态。
○在呼吸没有顺畅打开的情况下强行“气息下来”容易导致憋气压喉腰腹肌肉僵硬、在缺乏低位置胸声的情况下强行找高位置头声容易导致提喉、在缺乏声带拉紧声音集中的情况下强行找腔体容易声音发空……这些都是牵一发而动全身的。缺乏对声音系统的认知以及整体调控的能力，就会错漏百出而手足无措。
○能够从一个问题瞬间举一反三去找到根源的问题并解决，这便是拥有了整体调控发声的能力。这项能力是在长期的声乐课与舞台打磨中，【勤奋的练习并且紧密结合思考】里获得的，是一辈子的工程。
○记得我一个在德国做歌剧演员的好朋友跟我说过，其实声乐的专业性，就是反复与基本功打交道，磨练一辈子基本功。这个基本功指的便是反复从各种诸如气息、呼吸、打开、闭合、焦点、高低位置、头脑意识……中找到内
在联系，树立起正确的有系统的发声意识，让自己可以得心应手的去整体调控自己的声音。这项才是真正的声乐的基本功，有了这项本领，才算是真的有了基本功，也才算是真的上了道。不同。在这个舞台上，水平高超的郑云龙、高天鹤、蔡程昱、廖佳琳……永远是闪耀的明星。但或许是因为起步较晚，或许是因为没有受到较好的启蒙教育，或许是正在走技术上的弯路，或许是厚积尚未达到薄发，这些水平暂时稍低，基础暂时薄弱的孩子，或许他们的经历和声音也有不一样的珍贵之处。我其实很喜欢听一些基础尚浅的孩子们唱歌，可以从他们的歌声里找到我过去牙牙学语般学声乐的懵懂
时期，也可以从他们的歌声里看到为了问题而困惑。这些都是宝贵的财富，让人时刻认识到，声乐是如何从不懂到懂，如何从做不到到做到，一个程度较浅的学生是如何一步步进化成一名成熟的歌者的。
○我向你们致敬！
●●●分割线○○○
○○○分割线●●●
第一组：二重唱
简弘亦 & 龚子琪《一江水》
@简弘亦 @龚子棋Russell
○简弘亦的声音有进步，比上一期更放松，少了很多喉音的渗入，一开口就是轻松干净的裹着气声的弱混声。语气似乎带着一丝自嘲，像是歌中的人物幻想着与自身不匹配的生活处境。
龚子琪一开口声音位置很平衡立体，与简弘亦有鲜明的区别，仿佛也暗示了简弘亦的部分是歌中美好的幻想，龚子琪则是现实。虽然音色有区别，但是却十分融合，简弘亦声音更成熟，龚子琪声音更干净，而且位置什么的也很灵活，不会板在那不流动。
○不过整体的演唱没有给我太惊艳的感觉，什么都做到了，面面俱到，但是在竞技舞台如果缺乏一个特别突出的杀手锏，确实难以突围。
第二组：独唱
周深《Memory》
@卡布叻_周深
○先说明，周深绝对不是美声意义上的假声男高音。其实在周深试唱环节的自我介绍里就已经说明了，他说自己是类假声男高音。这个“类”字蕴含的蛮多。先可以说明，在美声唱法里是没有这个声部分支的。周深的先天嗓音条件十分特殊，不同于一般男性的声带，猜想周深的声音构造更像是女性。
○许多女生天生即是自带混声的，可以自然换声的。所谓换声为何意？这是声乐中的一个专业名词，简单来讲就是随着音高的升高或降低控制声带振动面积，通过拉紧声带集中声音这一技术点，音越高声带振动面积越小，越往声带边缘振动，反之音越低声带振动面积越大。而振动面积越小越边缘就越偏假声，振动面积越大就越偏真声，这个由真到假的过度与转换，即是换声。
○换声这一技术最重要的技术点就是集中声音，焦点要小。完全可以说，集中、混声、换声，是紧密相连的，是不可分割的。打磨好了这一项技术，可以使歌者声音统一连贯，并且通往更广阔的音域。
○周深的声音自带混声，一开口的焦点就十分小，无论是多柔美婉转的乐句都能唱得连贯曼妙，得益于得天独厚的嗓音优势，他只要不唱强声，换声几乎是无痕的。不留痕迹的换声是一个很高的境界。
○但周深有一大技术短板即是缺乏低位置胸声。有一个概念需要理清楚，头声可以让弱声曼妙丝滑，胸声可以让强声铿锵有力稳如泰山。因为较为缺乏胸声，所以在歌曲的后半部分出现了一两句喊叫的情况，喊叫即是为了唱出强力度但是却缺乏胸声不得已放大发声焦点
所导致的情况。
○但除了后半段的小遗憾，整首曲目的演唱还是非常棒的。开口的弱声轻柔曼妙，整首的演唱都很连贯丝滑。
○如果以我判断的话，周深的声部应该更接近于：女高音。
●第三组：独唱
高天鹤《She Is My Sin》高天鹤这期的表现可以用惊艳来形容。我觉得如果简析Vocal的话可以分为三部分来说。
○第一部分的假声，这部分的声音状态其实不是高天鹤好的状态，声音有些发空，焦点不太明显，也就是廖昌永老师提到的觉得位置不够高。声音有些往下拽了。
○亮出男声部分，很惊艳！高天鹤的本嗓质感很好，听朋友说他以前是唱低男中音声部的，所以他本嗓质感浑厚浓烈。他本嗓让我觉得很惊艳的一点是，他没有其他男中音男低音容易把声音往里抠或者往下拉扯出现喉音的毛病，他的男声非常干净不拉扯。低位置共鸣浓烈的根基下，声音集中不闷。并且语气感也把握得很好。
○中间的这段假声部分质量和第一段差不多。很惊喜的是在中间加入了一小段法国作曲家德彪西的《Deux Arabesques》，这是@YoYo-悠悠球手-赵宸 听出来的。在这一小句里，高天鹤的焦点抓得好多了，不过在这句结尾的那个弱声中，声音有些虚掉了，位置没稳住。
○最后一段的花腔华彩终于到了高天鹤假声最擅长的音区，声音集中焦点明显，声音灵活，每一个花腔都能透出颗粒般的穿透力。
●第四组：二重唱
郑云龙 & 张超《美女与野兽》
@郑云龙DL @张超_Baritone
○郑云龙从来就没有让人失望过，他一开口我就心满意足的感叹了一句：“这就对了。”。长期音乐剧演员的打磨把郑云龙的语气感和唱腔磨合得非常完善，纵使无法像朴孝信这类顶级音乐剧演员一样大共鸣强声轰炸，可那宛若有千万张表情的语气感也足够高级与赏心悦目。
○这里想谈谈张超学长，我认为他的辨析力值得我们学习。在节目开始的试唱的两期里，张超唱的《无问》，其实在副歌部分出现了打开过大的情况，这在美声里当然没问题，充分打开胸腔浓烈的声音正是男中音的魅力所在，但是如果应用在流行歌里，因为低位置多，但是又想着流行歌应该松着唱，很容易就出现了集中度不够，声音往里倒的情况，从而发闷沉重。听到张超的《无问》，我心里想的是估计他在美声男中音里唱得很厉害，但是缺乏对流行歌的适应性吧。
○第六期播出，在张超和郑云龙组合一起竞选登台的那段，他俩唱了《A whole new world》，张超开口唱第一句，我就惊呆了！声音怎么跟变了个人似的，声音轻盈不沉重，宛若对话一般自然的语感但又不流于平淡，太高级太舒服了！那天我反反复复的听了好多遍，就是为了听张超的部分，还是觉得赏心悦目。
○从《无问》到《A Whole New World》，声音是彻头彻尾的变了，当时我就觉得他不简单。挑别人的缺点很简单，可发现自身的缺点就不是一件容易的事了。张超能这么快的找出缺点并改正，必然拥有精准的洞察力才能做到，但更关键的是不自负不执拗的心性。从这点上，我们都应该向他学习。
○回归到这场的《美女与野兽》，张超发挥得中规中矩，处于在《无问》和《A Whole New World》中间值的发挥。前面主歌部分我还是稍感有些不自然，倒是后面他加强了美声的腔体恰恰可以和郑云龙的声音形成互补，稳稳的托住了郑云龙的音色。第五组：三重唱
余笛 & 洪之光 & 阿云嘎《Les Rois Du Monde》
@余笛SERAPH @洪之光Giuliano @阿云嘎Musical
○关于音准问题，确实是存在一点的，影响到这个的调式调性因素查理老师也说得很明白了。
○我实在是很喜欢余笛老师的声音，挂位置恰到好处，金属芯恰到好处腔体也恰到好处，整个的演唱也很符合这首里面的人物。
○洪之光老师为我们展现了这个公演舞台上目前最为规范漂亮的美声男中音技术。声音腔体打得够开，并且在这么大腔体的情况下声音还能保证集中的穿透力，声音不会抠进去，这个专业能力确实强劲。音色又辉煌又圆润饱满。但是，正如@陈纾禾Yuer 所说，这样的唱腔实在是不太适合这首作品中的人物，并且因为这样的演唱方式带来的大音量大声压，所以很容易就把阿云嘎的声音给盖过去了。查理老师提到的在现场听感觉洪之光老师的声音要把阿云嘎给盖过去了，其实我觉得不光在现场听，听录播后的依然感觉盖了。
○相比来说，阿云嘎的表达很到位，很符合这首作品。不过因为大量流行唱法中一些气声技巧和呐喊式唱法的运用，所以很多微妙的细节都有被另外两人的大声压给吃掉，稍显遗憾。
●第六组：三重唱
王晰 & 李琦 & 鞠红川《Sound of Silence》
@王晰 @主唱李琦 @鞠红川
○相信大家都能感受到这一组的和声感有多么好听美妙。
○三人有着全场最佳的默契度，音色的张力很强，从寂静到激昂，层层叠叠层次分明，依靠对音色的把控和和声运用，使得寂静和激昂两种情绪可以顺滑过度。
○三人在技术上都很扎实，发声器官该松的地方松该紧的地方紧，是符合流行乐演唱标准的发声方式。
○值得一提的是，鞠红川的声音把控十分娴熟，从一开始的松弛干净的流行唱法到后面渐渐加入美声的大腔体共鸣方式，整个过程十分顺滑，没有一般学习美声的人容易犯的方法打架问题。
●●●分割线○○○
○○○分割线●●●
●我个人的心目中本期之最：
本期最佳呈现：隔壁台《梦想的声音第三季》第8期《领悟》林俊杰@林俊杰
本期最让我想一听再听的歌者：鞠红川@鞠红川
本期进步最大的歌者：龚子琪@龚子棋Russell
央音老师的发声理论值得学习。查理老师更婉转，学到了既表达了意见又很正面的表达方法:)
原音乐剧中的演唱，一点个人感想：
发现歌剧和音乐剧对接的不易：歌剧更注重腔体的共鸣和强气息带来声音的力度；音乐剧强调舞台表演和声音的并重，吐字更口语化，对共鸣和声音的力度要求与歌剧不一致。如果吐字方法要改动，再加强舞台表演艺术，理论上歌剧演员完全有能力唱音乐剧的；反过来音乐剧演员唱不了歌剧。那么在这个舞台上，余笛比较成熟，可在两个剧种游刃有余；蔡程昱是可造之才，掌握了大部分技术的对接。还有一位，方书剑？？
蔡蔡属于跨届比较好的；小男孩方书剑的专业是音乐剧，应该是唱不了歌剧吧:)
谢谢你啊，粉丝做得比我投入。我读书时接触过几个中央音乐学院的美声学生，从此迷上了美声唱法。自己也唱着玩，中外名歌三百首唱了个遍， 室友都成了我的粉丝。可惜资质平庸，只好欣赏别人了，呵呵。
还有一件好玩的事情。我到美国后认识了现在的老公。第一次去他那里见到了他的室友，那人大笑说我认识你呀，那个学校楼顶上唱小夜曲的女孩。世界真小！
节目之外的人。至于尚，也是个跟着感觉走的人，由于不懂美声，所以有时候正确，有时候不正确。
个人认为不值得化时间。所谓加长（加了14分钟）全部加在了前边的爱心公益：补全了六位没公演过的小哥哥的歌......
要唱歌剧，腔体不够吧？比比洪之光和余笛？个见。:)
小世界很奇妙呀:D
本来就该挑战成功。 我现在觉得高天鹤，蔡程昱，阿云嘎 ， 才是节目主推。 尤其那个鹤真的很一般。 假声也没唱得人头皮发麻。 怪异，邪魅有， 但没有真的感受激情。
《sound of silence 》也是我心中的第一。
喜欢周深的《memory》，也觉得后面的中文部分有点惊醒梦中人的感觉。
。。。。。
还是觉得这个三人版挺好，这期的最佳 。我觉得他们好就好在，层次真的很丰富，比原唱和Disturb那版都是，毕竟他们三个声部、而且配合实在是好。原唱很有韵味，听惯那个，会觉得三人版太闹。不过，三人版层次感更好。跟金属版比，这版听起来变化更丰富。
周深转中文那一下，是有些突兀，不过，我觉得中文部分，他表达情感可能更容易一点，也是好事。